Las 30 bandas sonoras de películas más subestimadas de la década de 2010, clasificadas

La década de 2010 fue una nueva era para la industria y para el cine. ¿Qué tal las bandas sonoras de las películas? Repasemos 30 de los que merecen más amor.

La década de 2010. ¡Uf! Hemos tenido un comienzo increíble con el nuevo milenio, en todos los sentidos hasta el domingo. Durante la década de 2000, tuvimos un ataque impactante en suelo estadounidense, un nuevo presidente que nos arrastró a nuestra guerra más larga, el hip-hop dominando el mundo, el iPod dando paso a la revolución y el dominio de Apple, el surgimiento de los reality shows, el Internet conquista la vida cotidiana, una recesión mundial, una huelga de escritores, el surgimiento de Facebook, la muerte de Michael Jackson y, para colmo, ¡el primer presidente negro de la nación! Luego, en el mundo del cine, el género de superhéroes y cómics hizo un regreso revitalizado, grandioso y vigoroso al espíritu público de la época (y a la taquilla) y cimentó firmemente un trono colosal dentro del reino de Hollywood.

Tuvimos autores talentosos, brillantes, talentosos y polarizadores que aparecían y lanzaban puñetazos al sistema de Hollywood. Tuvimos un nuevo Batman, un nuevo James Bond, el regreso de James Cameron, las películas de El Señor de los Anillos tejiendo una nueva magia cinematográfica, Ashton Kutcher finalmente asumiendo un papel dramático, la querida serie "Friends" llegando a su fin, Saw franquicia que resucitó casi por sí sola el género de terror, vimos a Anakin finalmente ponerse la máscara de Vader, a Harry Potter creando su legado cinematográfico, a Indiana Jones regresando, a Crepúsculo volviendo loco a todos, a Jack Sparrow haciendo reír a todos, a Martin Scorsese ganando el premio más abismalmente atrasado. Oscar alguna vez, y por supuesto, "Brangelina". ¡Sin mencionar que Robert Downey Jr. tuvo una segunda oportunidad en la vida!

Naturalmente, después de una década tan tumultuosa, nadie sabía qué esperar en la siguiente. Y absolutamente NADIE estaría preparado para nada de eso. Es como si la década de 2010 fuera una extensión más caótica de la década de 2000. Más conflictos globales, más redes sociales, más reality shows, más tecnología que nunca y, por supuesto, Donald Trump revolucionó al mundo entero con su ascensión. Pero en términos de cultura pop, todo cambió con la misma rapidez e históricamente. Con el último y agonizante aliento de Blockbuster en todas partes cerrándose constantemente, el auge del servicio de streaming, liderado por el poderoso Netflix, marchó hacia el muro centenario de Hollywood, como los griegos marcharon hacia Troya en la famosa batalla, decididos a gobernar, cambiar. el status quo y teniendo éxito en más de un sentido.

Y la industria nunca volvería a ser la misma... entonces tuvimos a Los Vengadores dando origen oficialmente a la tendencia del "universo cinematográfico" que ahora está dirigiendo la dirección que toman los estudios con muchas de sus películas. Los avances tecnológicos dieron paso a un mayor ingenio cinematográfico, como el proceso de "envejecer" a los actores antiguos para adaptarlos a ciertos personajes con distintos grados de éxito. La diversidad en el cine fue el movimiento de vanguardia del cambio en la industria, dando paso a hitos que rompieron barreras como Black Panther, Moonlight y Wonder Woman. La franquicia Star Wars hizo un enorme - y polarizador - regreso a la cultura pop. Los Juegos del Hambre tomaron el manto juvenil de Crepúsculo. Disney inició su tendencia de remakes de acción real.

El género de terror renació con el movimiento de "terror elevado" liderado por revolucionarios como Jennifer Kent, Jordan Peele, Blumhouse y A24. Darren Aronofsky en realidad se polarizó demasiado para su propio bien. Margot Robbie y Lupita Nyong'o aparecieron en escena, encantando a la raza humana sin esfuerzo. Leonardo DiCaprio finalmente ganó SU atrasado Oscar. Christian Bale se despidió de Batman. Brad Pitt y Angelina Jolie decidieron separarse. Hugh Jackman se despidió de Logan y cambió las reglas del juego. George Miller tuvo uno de los regresos más grandes y sorprendentes en la historia de Hollywood con una de las mejores películas de acción jamás realizadas. La franquicia Fast and Furious se convirtió en un gigante envidiado. Charlie Sheen se convirtió en un paria mundial. Y, por supuesto, no lo olvidemos, la caída de Harvey Weinstein en el mayor escándalo que la industria ha visto en décadas y el efecto dominó del movimiento MeToo terminaron sacudiendo a Hollywood (y a casi todas las industrias) de nuevo. ...y cambiando la dinámica de, bueno, ¡de todo!

Entonces, con tantas cosas sucediendo en lo que podría decirse que fue la década más impactante para Hollywood en mucho tiempo, ¿cómo fueron las bandas sonoras de muchas de las brillantes películas que se estrenaron? ¿Todos estos cambios afectaron de alguna manera al mundo de los compositores o a su contribución esencial a la realización cinematográfica? La respuesta es un rotundo ¡NO! Tuvimos otra década de partituras magníficamente memorable en medio de todo el ruido. Muchos fueron de compositores que aún no nos han fallado, como Hans Zimmer, John Williams, Trent Reznor y Atticus Ross, Ludwig Goransson, Brian Tyler, Marco Beltrami, etc. Incluso hemos tenido algunos cambios sísmicos en el mundo de las partituras, como el fallecimiento del legendario Ennio Morricone (QEPD) y la primera mujer ganadora del Oscar en más de dos décadas, Hildur Guðnadóttir, quien ganó por su música para Joker. . Pero, como siempre, hemos tenido muchas partituras maravillosas y compositores a los que no se les dio lo suficiente o no se les dio nada. Es casi doloroso comenzar la lista, pero allá vamos.

El comienzo de la década cinematográfica de 2010 comenzó con fuerza, con muchas películas geniales, incluida una de las más famosas de Darren Aronofsky. Fue universalmente elogiado por muchas cualidades, peroCisne negro La partitura de Clint Mansell podría haber estado más en la conversación. Vinculó brillantemente sus composiciones con el ballet El lago de los cisnes de Tchaikovsky, pero con suficientes cambios y originalidad para que pareciera fresco y no derivado.

Y sus propias composiciones fueron igual de brillantes, abarcando la tensión de la historia, las batallas de Nina consigo misma y su ligeramente retorcido viaje de autodescubrimiento, de manera magistral, especialmente en temas como "Lose Yourself" y "Opposites Attract". Y luego dándole a la banda sonora un cierre dualista perfecto en "A Swan Song (For Nina)".

De todas las colaboraciones musicales que ha tenido Sir Ridley Scott a lo largo de su legendaria carrera, su breve trayectoria con el compositor Marc Streitenfeld ha sido la más subestimada. La puntuación de Marc para esta película de época también subestimada estuvo por encima de la media de la habitual puntuación épica histórica. Capturó maravillosamente el escenario de la Inglaterra del siglo pasado e imbuyó un rango real en toda la partitura.

Tenías temas serenos y emotivos como "Sherwood Forest" y "Walter's Burial", temas tensos y tortuosos como "Godfrey", que encajaba perfectamente con uno de los villanos principales, y pistas emocionantes y bien hechas para las escenas de acción. El único inconveniente fue la ligera falta de un tema central para el propio Robin, pero por lo demás, no se trataba de una banda sonora genérica, estándar y genérica de una película de acción.

Esta epopeya criminalmente subestimada sobre espada y sandalia tiene una partitura igualmente subestimada de Atli Orvarsson. Su música evoca la sensación de las epopeyas históricas tradicionales de Hollywood, con grandeza muscular y singularidad espiritual. Emplea casi todos los elementos que suenan antiguos bajo el sol, incluidos hermosos himnos, melodías vocales, una orquesta musculosa y música celta como flautas Uilleann y tambores tribales. Y temas como "I Will Return" son hermosos, inspiradores y emotivos. Su partitura es maravillosamente cautivadora, fascinante y a la vez bellamente pasada de moda y fresca, y después de todos estos años, sigue siendo una de las partituras de época más memorables de todos los tiempos.

Esta música del brillante veterano James Newton Howard recibió críticas mixtas tras su lanzamiento, lo que la subestima, ya que en realidad es una banda sonora espectacular de acción y suspenso con elementos bastante interesantes y poco ortodoxos. Como si "Cognitive Degrade" y "Viralled Out", emocionalmente conmovedores y conmovedores, no fueran piezas musicales comunes que esperarías escuchar en éxitos de taquilla de verano como estos.

Y todas las pistas orientadas a la acción son trepidantes, elegantes y emocionantes. La partitura incorpora mucha instrumentación cambiante compuesta por electrónica, batería e incluso cuerdas. Al contrario de lo que sus críticos deben haber escuchado, esta es una de las bandas sonoras de acción mejor hechas, interesantes, serias y apasionantes de todos los tiempos.

El reinicio del lanzador de telarañas del vecindario favorito de todos fue un reinicio sorprendentemente exitoso y, aunque fue una franquicia de corta duración, fue una versión fresca, ligeramente más oscura y valiente del superhéroe. PeroEl asombroso Hombre Araña La partitura, compuesta por el fallecido e icónico James Horner, fue aún más sorprendente, pero lamentablemente no fue tan apreciada como las obras de Danny Elfman en las películas de Sam Raimi. La música de Horner fue sorprendente por lo diferente y fresca que era en comparación con la música de otras películas de superhéroes.

Mientras que el sonido preferido del superhéroe de gran éxito era grandilocuente y grandioso, el de Horner era más tierno, más tranquilo, emocional y experimental. Si bien el tema principal aún genera una sensación de heroísmo cinematográfico, comienza con fascinantes sonidos vocales. Y pasa entre altibajos de grandeza y curiosidad fascinante, para luego terminar en un piano tranquilo. Contiene de todo, desde oscuridad intensa hasta emociones hermosas y tristes, pasando por un piano íntimo y encantador, pasando por electrónica de campo izquierdo e incluso melodías vocales agudas.

La película, el muy esperado reinicio de Superman para la era moderna, tuvo la gran fortuna de tener a Hans Zimmer, posiblemente el compositor más conocido y legendario de su generación, liderando el frente musical. Y la combinación resultó ser un éxito ganador, con la banda sonora adornada por los fans y el público y llegando a la cima de varias listas durante su lanzamiento. Entonces, ¿por qué se sigue considerando subestimado? Simplemente por la respuesta entre sus pares, los críticos musicales. Estaban muy divididos sobre la partitura, y muchos hicieron críticas sorprendentemente sorprendentes, como que era "repetitiva" y que dependía demasiado de la "batería" o que era "demasiado ruidosa".

Realmente no hay muchas pistas que tengan batería aparte de la feroz "Oil Rig", y las pistas con batería formando parte de la música son pocas y espaciadas, y la batería permanece calmada y tierna en varias de ellas, solo construyendo intensidad hacia el final. La mención de la repetitividad tampoco se sostiene, ya que la banda sonora es hábilmente diversa y las pistas principales que permanecen a lo largo del juego a menudo se modifican y se usan de manera creativa.

Obviamente, aquí no somos críticos musicales profesionales, pero aún así, hay tanta brillantez, belleza, espectáculo, tierna calidez y complejidad en esta partitura que resulta increíblemente triste que no haya sido más aceptada por el lado crítico. cosas. Ahí es donde se subestima la partitura, y es desgarradora y desconcertante. Esta sigue siendo una de las partituras más increíbles, emotivas, únicas y creativas jamás realizadas, y especialmente perfecta para este ícono de superhéroe atemporal.

Esta epopeya bíblica de Ridley Scott fue muy esperada en el período previo a su estreno y provocó cierta controversia y curiosidad sobre cómo se manejarían varios aspectos de la película. Y cuando llegó, terminó siendo decepcionante tanto en taquilla como en recepción. Pero una de las mejores partes de la película, y una de las más subestimadas, francamente, fue la música de Alberto Iglesias. Fue una elección inesperada, pero realmente aportó mucho en términos de creatividad, pasión y ambición.

Capturó bien el entorno y la vibra del Antiguo Egipto y le dio un hermoso estilo del Medio Oriente a lo largo de toda la partitura. Emplea la orquesta y el coro antiguos con un estilo grandioso. Agrega elementos vocales interesantes en ciertas pistas. Y temas como "Leaving Memphis" y "I Need A General" realmente destacan por su composición creativa y su sensación de asombro. "Hittite Battle" es una acción destacada que es trepidantemente épica y cautivadora con flautas que suenan egipcias. En definitiva, Alberto creó una partitura única y apropiada a la que se debería haber prestado más atención.

Al igual que Exodus: Gods and Kings, lanzado el mismo año,Noé El estreno, junto con algunas otras películas de temática religiosa, calificó el año como "El Año de la Biblia" en el cine. Al igual que Éxodo, Noé también fue controvertido pero recibió una respuesta más positiva que el primero. Fue elogiado por su ambición, alcance, creatividad, interpretaciones y muchas otras cualidades, pero se habló un poco menos de su inquietante y única partitura de Clint Mansell, uno de los talentos de "autor" del mundo de la composición.

La película tuvo lugar antes de que existiera una cultura o diversidad étnica real en la tierra, y la música lo refleja al no tener ningún sonido o influencia cultural o étnica específica. Esto hace que el enfoque sea bastante inusual y notablemente especial, con sonidos que aún no se han escuchado antes en la música de una película. También empleó al Cuarteto Kronos para el proyecto, y la vibra general es cruda, cruda, siniestra y brutal, dada la premisa de la película.

Casi puedes sentir el fin del mundo y la inundación que inunda todo dentro de la música. De hecho, puedes sentir el juicio y la ira que se derraman sobre el hombre, de una manera completamente oscura y siniestra. Pero Clint también añade mucha luz y esperanza en ciertos temas, asombro y asombro en otros, e incluso algunas hermosas melodías en algunos lugares. Hay tambores tribales, percusión premonitoria y una orquesta atronadora en todas partes. Pero también hay una espiritualidad inquietante en toda la partitura, que casi la hace parecer de otro mundo. Clint captura de todo corazón todos los elementos de la película, desde la escala masiva y el espectáculo oscuro y arremolinado, hasta el impresionante y majestuoso poder emocional, pasando por la tristeza más tranquila y tierna. Este es posiblemente el trabajo más rico y épico de Clint hasta la fecha, y merecía ser más notado en el sentido general.

Este thriller increíblemente oscuro y siniestro de Denis Villeneuve contó con una de sus mejores colaboraciones con el fallecido compositor Jóhann Jóhannsson. En serio, es una de las partituras más inquietantes y escalofriantes que jamás hayas escuchado. La orquesta y los arreglos de cuerdas en muchas de las pistas oscuras e intensas tienen una frialdad inquietante pero cautivadora, como en un tierno duelo, que se relaciona temáticamente con la premisa de la película sobre la sustracción de niños. Literalmente, a veces se siente como si la música misma estuviera llorando por niños perdidos. Y gran parte de la partitura también muestra influencias musicales islandesas, cortesía de la nacionalidad de Johann.

Y cuando la música se vuelve realmente inquietantemente oscura, como en la canción "The Keeper", se compromete absolutamente de manera aterradora con un crescendo que hace temblar la columna sin aliento. Pero también hay momentos de luz. Johann a veces imbuye cosas con una sensibilidad melódica lenta, esperanzadora aquí y allá, y a veces la construye maravillosamente, como en el tema "Through Falling Snow". En general, puede que sea demasiado oscuro e intenso para el público general (como lo es la película), y tal vez por eso no se le prestó mucha atención... pero si uno está dispuesto a escucharlo, Es una experiencia musical inolvidable.

La secuela de gran tamaño de la duología Amazing Spider-Man, a pesar de todos sus defectos, hizo algo increíblemente ambicioso y épico con su banda sonora. En primer lugar, incorporar al maestro Hans Zimmer ya lo hizo grande. Pero yendo aún más lejos, Hans reunió una especie de "supergrupo" musical de músicos y artistas talentosos para colaborar en la música, y el resultado fue una obra descomunal, vanguardista, arrolladora, elegante, fascinante, grandiosa, emotiva y adecuadamente ambiciosa. ¡Y una banda sonora de película genial!

Y por muy experimental que fuera, corría el gran riesgo de no funcionar en absoluto. Quiero decir, ¡Hans usó dubstep, por llorar! Pero de alguna manera, lograron algo que, si bien la ventaja experimental puede no ser del agrado de todos, es bastante inolvidable. El tema de Spidey, con todo su estilo sonoro de alto vuelo, heroísmo alegre y confianza, puede ser el tema con mayor sentimiento de "Spider-Man" que jamás haya tenido en una película.

El tema de Electro es maravillosamente electrónico y ambicioso con voces y letras enojadas y un toque verdaderamente siniestro, sin mencionar que el sonido copiado de las corrientes eléctricas es un toque de genialidad. El tema del Duende es el terror encarnado, comenzando lentamente y aumentando hasta llegar a un huracán caótico de intensidad y acción, con matices góticos. Las señales para Gwen y Peter son tiernas, hermosas y bastante conmovedoras. Y todo está superpuesto sobre el lienzo de la experimentación moderna de este magnífico supergrupo. En general, la banda sonora causó un gran revuelo, pero recibió una respuesta polarizada en muchos círculos: los críticos se inclinaron más positivamente pero el público se sintió más mezclado. Pero simplemente la ventaja, el estilo y la ambición creativa de hacer algo diferente en el mundo de Spidey, y sin duda de Hans (esta podría ser su partitura más "no-Zimmerish"), podrían haber sido más bienvenidos y apreciados.

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Esta joya de acción/suspense subestimada podría haber tenido una partitura genérica y estándar de acción/suspense que induzca dolor de cabeza, pero el veterano compositor Patrick Doyle es más sofisticado que eso. Realmente creó una banda sonora musical que tomó muy en serio el tema de la película. Puedes sentir plenamente la tensa atmósfera de espionaje a lo largo de todo el juego y, por supuesto, hay pistas de acción vibrantes, pero incluso estas están hechas con convicción e inteligencia, no solo con tecnoelectrónica mezclada.

También hay momentos hermosos, especialmente el tema del amor, que es tierno, placentero y emotivo. Esta banda sonora lamentablemente subestimada apenas recibió atención, pero sin duda es una de las mejores y más interesantes que existen.

Curiosamente, la banda sonora de esta potente y contemporánea película de ciencia ficción y acción provino del compositor novel Ryan Amon. El director de la película, Neil Blomkamp, ​​se puso en contacto con Ryan para hacer la música, en lugar de acudir a un compositor convencional más establecido. Este fue el primer largometraje de Ryan en lograrlo, y fue la intuición correcta contratarlo porque, después de hacer un trabajo tan fenomenal aquí, seguramente tendrá un futuro brillante en el campo.

¡Su puntaje es simplemente sobresaliente! Captura todos los aspectos de la historia de una manera tan elegante, desde la desesperada desesperación de una tierra cada vez más menguante, hasta las señales de acción de alto octanaje que están hechas por expertos con electrónica oscura e interesante y ritmos de batería palpitantes que evocan influencias de Terminator, hasta la bellamente temas melancólicos y conmovedores y emocionales como "Matilda" y "Elysium". Los arreglos son magistrales, la acción y el drama absolutamente emocionantes y la emoción sincera, triste y profunda. Honestamente, esta partitura es uno de los mejores debuts para cualquier compositor y una de las mejores partituras del género.

Esta historia del origen de Drácula obviamente encajaba con la música oscura de una película de terror y las vibraciones góticas. Pero el increíble y talentoso Ramin Djawadi decidió ir más allá y darle a la película un poco más de vida. Los temas principales de Drácula ciertamente tienen elementos de terror, sin duda, pero son más interesantes y sofisticados que los temas de rutina habituales. Tiene una atmósfera demoníaca escalofriante, un violín gótico victoriano y cánticos vocales siniestros que comienzan como susurros y se vuelven más fuertes a medida que aumentan la tensión.

También añade encantadores sonidos y texturas del Medio Oriente para reflejar el entorno, especialmente en el tema "Sultan Mehmed". "This Life and the Next" es a la vez hermosa y triste, con una inquietante melodía vocal incorporada. También hay escenas de acción grandilocuentes, por supuesto, y hermosas piezas emocionales como "I Will Come Again". Ramin realmente cuida todas las emociones que se encuentran en la historia, desde escalofríos y emociones hasta el duelo y el dolor, y leves susurros de esperanza. Hay creatividad y profundidad en toda la partitura que no es común en películas de género como estas, y realmente debería haber sido más recordada.

La franquicia Transformers puede ser la única franquicia taquillera convencional hasta ahora sobre robots que le brinda al mundo una gran cantidad de partituras que realmente tomaron muy en serio la escala y la grandeza épica y se excedieron, llegando a un territorio vertiginoso. A partir de la música de la primera película, Steve Jablonsky, un talento vergonzosamente subestimado en el mundo de la composición, escribió una música que encajaría con una historia poética, seria, parecida a un Oscar, del bien contra el mal, similar a algo como El Señor de los Cielos. Rings, no una historia para niños sobre robots gigantes transformadores. Con el tema increíblemente épico y heroico de los Autobots, y el tema siniestro y muerto de los Decepticons con esos cánticos villanos, el hombre realmente tejió una sensibilidad shakesperiana en la música que era simplemente increíble y elevó las películas a grandes alturas.

Y con la cuarta película, lo que para entonces debería haber sido música redundante, Steve en realidad le da nueva vida a la música y agrega capas más interesantes y épicas que realmente no se encontraron desde la primera partitura. Desde la emocionante e intensa "Lockdown" hasta la interesante y bastante heroica "The Knight Ship", pasando por la hermosa y emotiva "Tessa", Steve vertió nueva pasión creativa en la música y tomó una decisión genial, aunque bastante extraña, de tejer ecos. del tema principal "Battle Cry" de Imagine Dragons en parte de la partitura, incluida la pista "Tessa". Y su banda sonora merecía más reconocimiento.

Ok, entonces esta entrega, con el primer regreso de Arnold, no fue todo un éxito. Lástima, ya que en realidad es uno de los mejores de la franquicia y realmente merece tener otra oportunidad de apreciarlo. Pero la parte más subestimada de la película fue la música de Lorne Balfe, ¡que es un auténtico golpe de gracia! No se limitó a reciclar el tema original como otros antes; le dio un cambio de imagen completamente nuevo e imbuyó su melodía a lo largo de toda la partitura, lo que resultó en temas maravillosos como "Better Days" y "Fate and Hope".

El tema de amor de Sarah & Kyle es uno de los más hermosos que jamás hayas escuchado, con la melodía del tema principal acariciando toda la pista y luego llegando a un hermoso torbellino de emoción sincera que es profundamente conmovedor. Y las señales de acción son épicas, grandilocuentes y trepidantes. Es una banda sonora increíblemente apasionada, profunda, seria, emocionante y bastante emotiva, lo cual resulta gratamente sorprendente para una película de Terminator.

Una vez más, impregnar la melodía del tema icónico de Brad Fiedel en todo el paisaje fue genial y realmente le dio vida, conexión con la franquicia y una sensación de participación. Es una de las partituras más subestimadas de la historia.

Dado que este gran evento de equipo de DCEU ya desarrolló una recepción y una reputación bastante polarizadoras en su lanzamiento, sería comprensible que su puntuación del regreso de Hans Zimmer y su colaborador Tom Holkenborg, también conocido como Junkie XL, se perdiera un poco en la confusión. De hecho, tuvo un éxito modesto en las listas, pero debería haber recibido más elogios, ya que es realmente una partitura maravillosa en la franquicia que hizo lo que deberían hacer las partituras de las secuelas, y eso es ampliar el mundo musical ya establecido, encontrar nuevas capas y ampliar temas anteriores, en lugar de repetir lo que fue o llamarlo por teléfono.

Tom creó un nuevo tema maravillosamente emocionante, épico, oscuro y magnífico para Batman que abarcaba la totalidad de su personaje, tanto en el contexto de la historia de la película como en el carácter general de Batman. Tenía el trauma, la oscuridad, la tristeza, la violencia, el miedo y la grandilocuencia, pero para este Batman, también contenía cansancio, una sensación de que uno está cansado de la vida que ha llevado y se está preparando para tirar la toalla. Es absolutamente inquietante y cautivador.

¡Un gran logro para Tom! Hans recuperó su tema icónico del Hombre de Acero, pero lo amplió en nuevas capas emocionales. El tema ahora icónico y sin aliento de Wonder Woman cae como una bomba atómica, con su crujiente grito de batalla de un riff de guitarra siendo el tema más perfecto para una guerrera amazona que jamás se pueda escribir. Y el tema de Lex es el sonido perfecto para el genio malvado, con un piano pisando fuerte y gritos de instrumentos clásicos que representan su intelecto culto y su alto estatus y también emiten esa loca intensidad de dominación mundial, a medida que el resto del tema evoluciona. en una siniestralidad más sutil, con los tics de una psicosis loca e inestable que tiene esta versión de Lex y hilos oscuros y tortuosos que son la perfección del villano.

El resto de la partitura tiene todas las cosas geniales que uno puede desear en una epopeya de cómic: las grandilocuentes señales de acción, las tensas y dramáticas, las muy emocionales y hermosas como "This is My World", y todo lo demás. Es simplemente una de las mejores secuelas jamás escritas.

No ha habido muchas adaptaciones de Tarzán, por lo que fue interesante escuchar qué tipo de paisaje sonoro musical debería tener el famoso héroe de la jungla en la era moderna. Es un placer decir que el compositor Rupert Gregson-Williams salió airoso del parque. Hizo una partitura inventiva, emocionante, llena de acción, intrigante a veces y ciertamente épica. El primer tema, "Opar", es simplemente magnífico con sus voces exóticas y africanas. Rupert crea una sensación real de jungla en toda la partitura y salpica muchas texturas naturalistas, primarias y tropicales.

El tema de Tarzán es maravilloso y heroico. Su tema de amor con Jane es suave y tierno. Y las señales de acción son musculosas pero sin parecer genéricas; También tienen una sensación exótica y sonidos interesantes. Puede que la película haya tenido un éxito desigual, pero su banda sonora ciertamente merece más elogios y atención.

Cuando se lanzó esta película del equipo de villanos del DCEU, después de haber subido a la ola de su sorprendente e inmenso revuelo, su banda sonora en realidad se robó mucha atención, habiendo lanzado enormes sencillos de radio de diferentes artistas, escalando en muchas listas, incluso obtener un premio y una nominación, y hacerse cargo del espíritu de la cultura pop. No sólo le quitó el protagonismo a la película, sino también a la gran música de Steven Price.

Su partitura es épica a la antigua, interesante y sorprendentemente emotiva. Capta bien la vibra ligeramente heroica y rockera del equipo. Hace que las partes de acción sean un híbrido de lo moderno y lo de la vieja escuela. Pero, de nuevo, sorprendentemente añade mucha emoción. Un buen número de temas subrayan esa señal emocional triste y profunda, y le da a la música y a la película un verdadero corazón palpitante. Hay emociones, instrumentales de mal humor, vibraciones góticas oscuras en algunas pistas (especialmente el tema de Joker y Harley), gran emoción y ¡mucha actitud!

Este thriller de atracos subestimado y con un reparto enorme también tiene una banda sonora aún más subestimada e impresionante encabezada por Atticus Ross y en colaboración con Claudia Sarne, Leopold Ross y Bobby Krlic. El resultado es una banda sonora muy elegante, eléctrica, vibrante, experimental y genial sin esfuerzo. La canción "Ticking Glock" debería ser la música que acompañe cada escena de atraco en cualquier película, con su ritmo implacable impulsado por el tictac del reloj real. "Eleven Fifty Nine" es la perfección del thriller policial negro con sus líneas de bajo y su electrónica de mal humor.

"War Porn" añade una emoción agradable y melancólica. El resto de la partitura está plagado de muchos de estos elementos y otros sonidos interesantes. Y no olvidemos el estimulante y espeluznante "Pigs" de Cypress Hill al final, remezclado por Atticus Ross. ¡Simplemente uno de los mejores puntajes de policías y atracos jamás reunidos!

Esta adaptación del popular videojuego, protagonizada por Michael Fassbender, puede que no haya sido un éxito de crítica ni económicamente, pero su música de Jed Kurzel merecía mucho más reconocimiento. Es absolutamente deslumbrante, apasionante y fascinante. El tema inicial, "Young Cal", te transporta a una época completamente diferente con su instrumentación étnica de sonido antiguo. Los temas más orientados a la acción como "First Regression" y "Second Regression" deslumbran y seducen con su híbrido árabe-occidental, electrónica y ritmos de batería maravillosamente exóticos, y temas como "The Creed" son fascinantes, poéticos y emocionales.

Hay una sensación de profunda distinción espiritual y exótica en toda la música, y con muchos sonidos étnicos y tribales esparcidos por todas partes. Especialmente la canción "You're Not Alone" se siente como la culminación de todos los elementos sonoros, comenzando con ese hipnótico ritmo de batería y uniendo la antigua y exótica grandeza y las influencias árabe-mediterráneas a lo largo del camino, todo hasta un final maravilloso. . Una partitura extremadamente única, atmosférica y encantadora.

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